Луи леруа критик

Отверженные художники

Начиная с 1863 года в Париже проводился так называемый Салон отверженных – выставка художников, чьи живописные эксперименты не находили поддержки Академии изящных искусств и не допускались к участию в официальном Парижском салоне. В числе «отверженных» оказались помимо прочих Эдуард Мане, Камиль Писсарро, Поль Сезанн, Альфред Сислей.

Камиль Писсарро. «Старая дорога из Аннери в Понтуаз. Заморозки»

Выставка 1874 года вошла в историю искусства как первая выставка импрессионистов. Правда, о том, что авторы полотен – импрессионисты, не знали тогда ни посетители салона, ни даже сами художники. Термина «импрессионизм» попросту не существовало – до выхода в свет статьи парижского журналиста Луи Леруа под названием «Выставка импрессионистов».

«Обойная бумага в стадии наброска»

Новый стиль в живописи вызывал тогда много критических отзывов, и Леруа написал в журнале «Le Charivari» о представленных на выставке картинах в иронической, полушутливой форме. Якобы он посетил мероприятие вместе со своим приятелем Жозефом Венсаном, который был шокирован и крайне впечатлен увиденным (“impression” с французского – «впечатление»).

Клод Моне. «Впечатление. Восходящее солнце»

Помимо этого, на выставке экспонировалась картина Клода Моне под названием «Впечатление. Восходящее солнце» — а потому слово «импрессионизм» в диалоге Леруа и Венсана смаковалось на все лады.
«- Впечатление, ну конечно. Я так и знал. Не зря же я под таким впечатлением! Не могло здесь не быть впечатления! Но какая свобода, какая легкость фактуры! Обойная бумага в стадии наброска, и та будет смотреться более проработанной, чем эта живопись!»

Впечатление от импрессионизма

Новый подход к созданию картин – небрежный, торопливый – действительно производил тогда сильное впечатление на фоне традиционных, академических художественных стилей.
Но вообще говоря, такова и была цель художников – выразить свои переживания, впечатления на холсте – живо и смело, поймав момент. Поэтому с термином согласились – несмотря на некоторую неопределенность, он прижился.

В настоящее время картина «Впечатление. Восходящее солнце» находится в музее «Мармоттан».
Работы Моне имеют огромную ценность среди коллекционеров, в частности, картина «Пруд с водяными лилиями» была продана на аукционе за сумму более чем 80 миллионов долларов.

Клод Моне. «Пруд с водяными лилиями»

Картины Моне и других импрессионистов занимают теперь почетное место среди шедевров мировой живописи.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

• Начало
• Галерея
• Артклуб
• Магазин
• Новости
• Форум

Огюст Ренуар, «Бал дю Мулен де ла Галетт» , 1876 год. Музей Орсе, Париж.

Обнаружив источники вдохновения движения импрессионизма («Сага об импрессионистах: эпизод 1») , сегодня сосредоточьтесь на зарождении этого авангарда и глубоко подрывного течения . В ходе нашего анализа вы, наконец, найдете ответы на наиболее часто задаваемые вопросы:
Почему и как родился импрессионизм?
Откуда появился термин « импрессионизм »?

1. Каким был мир искусства раньше?

Мы находимся в начале 1860-х годов , когда первые художники, позже получившие звание импрессионистов, начинают свои эксперименты. В то время мир французского искусства находился в совершенно иной ситуации, чем мы знаем сегодня. Подавляющее большинство художников обязаны своей карьерой Королевской академии живописи и скульптуры , основанной в 1648 году.

Томас Кутюр, Римляне декаданса , 1847. Musée d’Orsay. Мода была мега-звездой академического искусства.

Эта Академия функционирует как администрация : она руководит художественным обучением , организует конкурсы на доступ к мастерским и выставкам, имеет монополию на королевские комиссии и диктует строгую теоретическую программу для всех, кто хочет сделать живопись своим единственным средством существования.

Конечно, сначала он был основан с добродетельной целью: положить конец корпорациям и наследственной передаче профессии художника, чтобы предоставить доступ к ней самым увлеченным (ну, все еще необходимо было иметь солидные финансовые средства, чтобы выжить и платить мастерам мастерской, но уже не нужно было быть сыном художника, чтобы им стать, и это уже так!).

К сожалению, со временем честные намерения этого учреждения угасли, обнажив глубоко безжалостную систему . Слишком требовательная академия застыла в ушедшей эпохе : с момента своего создания она взяла за образец греко-римское искусство и шедевры античности. Поэтому он очень быстро становится тормозом для новых художников, ищущих новые предметы и новые техники.

Жак-Луи Давид, Академия, известная как Патрокл , 1780. Музей Тома-Анри, Шербур, Франция.

Среди неизменных принципов, которые академия налагает на будущих художников, мы находим такие правила :

• Когда дело доходит до хорошего вкуса, темы не одинаковы : самые благородные сюжеты, очевидно, являются жанровыми сценами (мифология, религия, история), потому что они передают моральное послание. И наоборот, сцены повседневной жизни, натюрморты и пейзажи избегаются, потому что они считаются бесполезными и без особого интереса (вы уже можете видеть проблему прихода импрессионистов).
• Зная, как рисовать обнаженную натуру везде и всегда : поскольку, как и в эпоху Возрождения , мы считаем, что в центре всего стоит человек, мы должны приучать себя постоянно прославлять красоту своего тела. Почему нет.
• Рисование — да, но по цвету мы увидим : для академиков, если нет рисунка, живопись не может существовать. Линии и кривые должны быть безупречными, а цвет — соответствовать настоящему (определенно, бедные импрессионисты!).
• Рисовать в студии или не рисовать : для академии рисовать на пленэре можно, но только для подготовительных рисунков и этюдов. Настоящие художники должны рисовать при свечах в своих мастерских.
• Подражайте, а не вводите новшества : поскольку древние понимали все, обычно достаточно подражать древнему искусству, чтобы считаться достойным художником.

Ипполит Фландрин, молодой обнаженный мужчина на берегу моря , 1836 год. Лувр. Сочная работа .

Чтобы закончить убеждать вас в сложности выхода за пределы Академии: в то время художественных галерей в том виде, в каком мы их видим сегодня, не существовало . Был только один и единственный способ , чтобы показать свою работу: The Official Show. Чтобы попасть на эту ежегодную выставку, вы должны были представить свои работы жюри, … состоящему из членов Академии. С таким же успехом можно сказать, что эмансипированные души были безжалостно уволены и могли попрощаться с их художественными амбициями.

На протяжении многих лет эта система прекрасно работала , создавая такие легенды, как Жак-Луи Давид , Жан-Огюст-Доминик Энгр или Николя Пуссен . Вслед за ними мы найдем и других знаменитостей, в частности Эжена Делакруа и Теодора Жерико . Более современные, они будут регулярно нарушать правила, установленные Академией .

Александр Кабанель, Падший ангел , 1847. Музей Фабра, Монпелье.

В 1860 году, когда появились предпосылки будущего импрессионизма , академических звезд того времени звали Бугро , Фландрен илиКабанель . Имена, которые быстро исчезнут, несмотря на несколько прекрасных шедевров, из-за (или благодаря ) появления более легких и новаторских картин, предложенных Ренуаром , Моне , Мане и их друзьями.

2. Академики на кону!

История импрессионизма — это прежде всего история инакомыслия : эпопея группы революционных художников, раздраженных всемогуществом академического искусства : вездесущее, мудрое и систематизированное искусство, одобренное администрацией и вне которого невозможно выполнять.

С 1860-х годов мы наблюдаем тихое появление художников нового жанра : они устают от академизма , пуританства и романтизма , которые слишком долго подавляли их творческий пыл. Они хотят добавить в свои работы больше субъективности , выражая свою чувствительность через призму своих кистей.

Клод Моне, Морской пейзаж, Лодки при лунном свете , 1864. Национальная галерея Шотландии.

Эти художники по-прежнему разделяют некоторые общие представления с художниками-академиками: для создания своих картин они используют модели : пейзажи, муз, модели, корзины с фруктами и вазы для цветов остаются неотъемлемой частью их творческого процесса.

Однако художественные концепции расходятся относительно желаемого результата: где академики хотят представить реальность наилучшим образом, без изменений и в совершенстве, стремящиеся импрессионисты, со своей стороны, хотят моделировать реальность по-своему , в соответствии со своими чувствами. , их чувства, эмоции , погода и свет : в соответствии с их впечатлением от пейзажа или модели, которую они рассматривают.

Вильям Бугро, Ла Пэ , 1860. Художественный музей Сент-Луиса. Академическая работа по желанию.

Академизм и импрессионизм , их разделяет слишком много вещей:

• Академики отдавали предпочтение работе в студии, импрессионисты — на пленэре.
• Академики уважают многие моральные и живописные условности, у импрессионистов нет линии поведения . Они нарушают правила, унаследованные от религии, и пользуются особой свободой в обращении со своими подданными.
• Академики пытаются запечатлеть статичную красоту ушедшей эпохи , импрессионисты пытаются запечатлеть эволюцию жизни.
• Академики рушатся под властью королевских и буржуазных порядков, импрессионисты выживают без гроша в кармане или пользуются семейным состоянием, чтобы развиваться перед лицом всеобщего непонимания.

Вы поняли, академики — дворяне , купцы , миротворцы , а импрессионисты — революционеры , пираты , бунтовщики . Академия была диктатурой, которую они должны были свергнуть . Их оружие: кисти, масло и… много амбиций. Мы постепенно наблюдаем то , что мы могли бы назвать … нежную революцию.

Эдуард Мане, Завтрак на траве , 1863. Музей Орсе, Париж.

3. Формирование группы.

В течение 1860-х годов разные художники, стремящиеся к импрессионизму, постепенно объединились и отметили общее желание обойти правила, установленные Академией.
Клод Моне познакомился с Камилем Писсарро в 1860 году во время уроков рисования в студии Шарля Свисс . Два года спустя в мастерской Шарля Глейра Огюст Ренуар , Фредерик Базиль , Альфред Сислей и Моне познакомились друг с другом и вместе решили расстаться с этим учителем, слишком увлеченным шедеврами античности. В 1866 году Эдуард Мане встретил Ренуара, Базиля, Моне и Поля Сезанна в кафе Guerbois в Париже, винном магазине, который стал их штаб-квартирой. Мане добавляет в группу Берту Моризо (которая станет его невесткой) и Эдгара Дега , которые знают друг друга уже несколько лет.

Фредерик Базиль, L’atelier de Bazille , 1870. Музей Орсе, Париж.

Эта работа представляет собой период интеллектуального распространения . Мы видим, как Базиль представляет свою новую работу Мане и Моне, а Эмиль Золя и Ренуар вместе обсуждают слева, через лестницу. Мане также участвовал в реализации этого холста, написанного в 4 руки.

Маленькая группа много обсуждает. И даже если они не все согласны, большинство знает, что без общих усилий им никогда не удастся утвердиться в качестве свободных художников вместе с непостижимыми и уже (слишком) хорошо известными академиками. В течение нескольких лет они совершенствовали свои стили, и коллективное кипение привело к творческому взрыву . Моне и Ренуар давно работают бок о бок на берегу Сены и делят студию с Базилем. Сислей, Сезанн и Писсарро, также друзья, регулярно присоединяются к ним. В Café Guerbois Мане и Дега переделывают мир (искусства) . Все они очень близки к известному писателю Эмилю Золя , искусствоведу в свободное время, также участвующему в возникновении этого течения благодаря подбору слов.

Среди них большинство принято в Салоне , например, Мане, Моризо, Дега, Моне, Ренуар или Базиль. Однако отказов очень много . Некоторым, как Писсарро и Сезанну, систематически отказывают , в то время как другие постоянно скандальны и видят, что их шансы на избрание в следующие несколько лет со временем уменьшаются.

Поль Сезанн, La Maison du Pendu, 1873. Музей Орсе.

4. Один против всех: время конфронтации.

Эти пылкие и честолюбивые художники чувствуют себя облеченными священным огнем : это они против всего остального мира , и если жюри не примет их работы, они найдут способ обойти это препятствие. Значит, найдут в начале 1870-х: а что, если мы создадим собственный салон на полях Официального салона?

Идея незаметно зарождается в умах этих художников . В 1873 году они решили основать ассоциацию: кооперативную компанию художников, художников, скульпторов и граверов с ограниченной ответственностью . За этим не очень экзотическим названием скрывается возможность для них организовывать мероприятия без получения предварительного разрешения художественных авторитетов того времени, в которых доминируют академики, которые обязательно отказались бы от такого оскорбления. Эта компания также позволяет им объединяться в чисто дружеской и профессиональной логике, без необходимости теоретизировать свои соответствующие практики: эти художники не желали создавать школу, манифест или общее движение, поэтому это была идеальная альтернатива. В административном отношении они образуют группу, но по отдельности все они могут развиваться без соблюдения строгого протокола . У будущих импрессионистов нет желания возрождать драконовские правила, подобные тем, которые Академия с таким удовольствием навязывала.

Берта Моризо, вид на небольшой порт Лорьян , 1869. Национальная художественная галерея, Вашингтон.

Теперь им нужно место и финансирование, чтобы запустить весь этот бизнес. У фотографа Надара , друга импрессионистов и первого фотографа легенд, таких как Клемансо , Бодлер , Золя , Делакруа , Жорж Санд , Роден или Жюль Верн , есть студия, очень удачно расположенная, недалеко от официального салона. Ему нужны деньги, поэтому он предлагает бесстрашным артистам аренду своего помещения. Поль Дюран-Рюэль , арт-дилер, близкий к некоторым художникам, предлагает оплатить часть расходов, связанных с организацией мероприятия.

В 1874 году все было готово. 3500 посетителей стекаются ко входу в студию Nadar, чтобы узнать, что у этих художников нового жанра в животе. Очевидно, прием неоднозначный . Если не считать нескольких открытых и доброжелательных умов, менталитет того времени еще не был полностью подготовлен к такой революции. Как мы теперь знаем, любое художественное движение возникает из разрыва с существующими течениями . На каждом новом этапе искусства скрывается потенциальный скандал, поскольку общественное мнение всегда выражает определенный разрыв с современным творчеством . Это было правдой в 1874 году и до сих пор, о чем свидетельствует некоторая едкая критика концептуального искусства , а с недавних пор еще и цифрового искусства или NFT .

Камиль Писсарро, Verger en Fleurs, Louveciennes , 1872. Национальная художественная галерея, Вашингтон.

5. Скандал, критика: рецепт народного успеха.

Самые известные искусствоведы недолюбливают эту молодую амбициозную группу . За исключением их друга Эмиля Золя и нескольких провидцев, все они яростно нападают на них. Для Альберта Вольфа это « Ужасное зрелище человеческого тщеславия, переходящего в безумие. Так дайте г-ну Писсарро понять, что деревья не пурпурные, что небо — не свежего масляного тона, что ни в одной стране мы не можем видеть то, что он рисует, и что никакой разум не может принять такие ошибки. «. Грубый .  

Эдгар Дега, Бланшизы , 1870-72. Музей Мальро (MuMa), Гавр. Эта картина была представлена на выставке 1874 года.

В колонках Le Figaro мы можем прочитать: « Импрессионисты производят впечатление кошки, идущей по клавиатуре пианино , или обезьяны, хватающей ящик с цветами». «. Другой не очень дальновидный критик напишет в «Хрониках отеля Друо»: « Что касается их текущих работ, мы увидим, что однажды они перепродадут стопку по 50 франков. «. В свете сегодняшних и вчерашних результатов аукционов ему, конечно, лучше было бы помолчать.

В 1874 году Моне, Ренуар и их друзья не считали себя представителями нового течения. Однако они верят, что разделяют общее видение того, каким должно стать искусство . Из их личных мнений и мнений критиков им дано множество имен: Новая живопись , Новая школа реалистов , Независимые , Непримиримые , Импрессионалисты … Однако ни одно из них не единодушно.

Поль Сезанн, Une moderne Olympia , 1873. Musée d’Orsay. Эта картина была представлена на выставке 1874 года.

С этим ^первым разоблачением и саркастическим критиком Луи Леруа появился термин «импрессионист», который ясно и недвусмысленно дал определение практике художников с амбициями. В апреле 1874 года Луи Лерой приступил к написанию сатирической статьи, комментируя эту выставку нового типа, коктейль с оттенком авангарда и противоречий. В этой издевательской статье критик рассказывает о своем посещении выставки под псевдонимом, тем самым позволяя ему без каких-либо судебных разбирательств осудить это новаторское искусство, « наносящее ущерб хорошей художественной морали, культу формы и уважению к мастерам. »(Отрывок из статьи).

С каждым своим открытием он описывает свою реакцию и осуждает картины одну за другой. Распространив свой сокрушительный сарказм на работы Гийомена, Писсарро, Руара, Будена, Моризо и Ренуара, он наконец останавливается на самой известной картине Клода Моне « Впечатление» Солей Леван . Его легкий сарказм, переходящий в горькое презрение, он возмущался: « Что представляет собой эта картина?» Впечатление ! Впечатление, я был уверен. Я также сказал себе, поскольку я впечатлен, должно быть какое-то впечатление. «. Не нужно было большего, чтобы высечь на камне квалификацию, несущую такое большое значение. Импрессионизм был назван, так он родился .

Клод Моне, Впечатление, Солей Леван (вид на Гавр), 1872. Музей Мармоттан, Париж.

Есть ли что-то более поэтическое, чем художественное направление, рожденное восходящим солнцем?

Другие критики, например, Жюль Кастаньяри в газете Le Siècle, доведут это до конца : « Если мы хотим охарактеризовать их словом, которое их объясняет, нам придется придумать новый термин« импрессионисты ». Они импрессионисты в том смысле, что передают не пейзаж, а ощущение, создаваемое пейзажем . «. Умный.

Постепенно Клод Моне и его друзья приписывают это имя себе, из-за чего он теряет критическое и осуждающее чутье . Следующее их совместное мероприятие, которое состоится в 1876 году, будет поэтому называться « второй выставкой импрессионистов ». Для публики и критиков академические художники постепенно выходят из моды. Говоря обыденным языком , академическое искусство становится искусством пожарных , нелестным определителем, дискредитирующим их ярко выраженный вкус к помпезным изображениям античности. Постепенно Моне и его друзья монополизируют общественный интерес в ущерб последним представителям академизма (Бугро, Кабанель, Фландрен ), которые, несмотря на некоторые выдающиеся шедевры, быстро предаются забвению.

Инфографика: средний возраст художников-импрессионистов в 1870 году — © Artmajeur

История в движении, и она только началась …

Увидимся на следующей неделе в нашем третьем выпуске, посвященном импрессионистам . На этот раз мы более подробно изучим каждого из действующих лиц этого движения: художников, торговцев и критиков, дружбу, напряженность и предательства …
Таким образом, вы узнаете, кто такие импрессионисты и почему существуют такие различия в стилях между работами Эдуарда Мане и Клода Моне. До скорого !

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его” Анри Канвейлер

Если задать вопрос любому человеку, хоть немного знакомому с изобразительным искусством, какое направление ему нравится больше всего, то скорее всего он ответит — импрессионизм.  Импрессионизм по праву считается точкой отсчета всего современного искусства. Как это вышло? Разбираемся.

Во Франции XIX века единственным шансом стать знаменитым и коммерчески успешным живописцем было участие в ежегодном Салоне Французской Академии художеств. Для этого нужно было пройти строгий отбор. Жюри придерживались крайне консервативных взглядов и скрупулезно следили за совершенством живописной техники и сюжетами полотен. Художник, отвергнутый официальным салоном, был обречен на безвестность и отсутствие заказов.  Несмотря на закостенелость системы, в то время уже неотвратимо назревали изменения в искусстве, обусловленные важными достижениями своего времени. Одним из них стало бурное развитие фотографии, живопись утратила необходимость объективно фиксировать реальность, как это было раньше. Например, стало не нужно тратить долгие недели и внушительные суммы на создание портретов, потому что фотография справлялась с этим за один сеанс, а по правдоподобности ни один художник не мог с ней сравниться.  Не менее значимым событием стало появление тюбиков для краски, казалось бы, такая мелочь, но именно благодаря этому, у художников появилась возможность работать на пленэре.  Кроме того, мир захватила индустриализация, и он стал меняться так быстро, как никогда прежде.   Конечно, искусство не могло остаться в стороне и перед художниками встали судьбоносные вопросы: как должно измениться искусство, с кем и на каком языке говорить?

В Кафе Гербуа на улице Батильон на Монмартре собирались прогрессивные художники, поэты и прочие творческие личности,  и обсуждали судьбу современного искусства. Многие из них были отвергнуты официальным Салоном, и единственным шансом  познакомить публику со своим творчеством и получить заказы было проведение выставки на альтернативной площадке. 29 художников,  среди которых были Поль Сезанн, Клод Моне, Огюст Ренуар, Камиль Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо и Эдгар Дега решились на этот шаг, и вложив каждый по 60 франков, организовали выставку в ателье фотографа Надара на Бульваре Капуцинок в самом сердце Парижа. При этом они вовсе не старались противопоставить себя влиятельному Салону, так как каждый из них в будущем желал получить признание Академии. Эдгар Дега предлагал дать обществу название “Капуцинки” по названию бульвара, но коллеги это предложение отвергли и предпочли именоваться нейтрально — Анонимное общество художников, скульпторов и граверов. 15 апреля 1874 года открылась их первая выставка, тогда они еще не знали, что войдут в историю как Импрессионисты. 

На выставке было представлено 165 работ. Посетить ее мог любой желающий, заплатив за входной билет 1 франк. Продлилась она ровно месяц и не смогла похвастаться большим потоком посетителей, за все время на ней побывали около 3500 человек. Для сравнения, официальный салон посещали в среднем 5000 человек в день! Тем не менее импрессионистам удалось заявить о себе. Обзоры, которые печатались в прессе, были очень разными, кто-то ругал художников и сомневался в их профессионализме, кто-то одобрял новый взгляд на искусство. 

Вскоре после открытия в газете Le Charivari вышла сатирическая статья журналиста Луи Леруа. В статье Леруа давал фантазийные зарисовки на тему того, как он осматривает выставку со своим другом, академическим художником, а под конец выставки, не выдержав современного искусства, этот художник сходит с ума. Несмотря на то, что Луи Леруа не был профессиональным арт-критиком, именно его разгромная статья стала знаменитой. В ней он назвал художников “импрессионистами”, то есть “впечатленцами”. Если бы только месье Леруа мог знать тогда, что благодаря этому он войдет в историю искусства, он бы весьма удивился.

Свое пренебрежительное “Импрессионисты” Леруа взял из названия работы Клода Моне “Восход Солнца, впечатление”. На картине изображен рассвет над портом родного для Моне города Гавр. Картина написана открытым мазком, немного небрежно, и выглядит как незаконченный этюд, как будто художник торопился зафиксировать стремительно меняющийся вид моря во время рассвета. Леруа написал, что обои в стадии наброска выглядят более законченными, чем “это впечатление”.  В картине не заложен какой-то сюжет, потаенный смысл или высказывание автора. В отличии от приевшегося академизма, которое взывало скорее к интеллектуальной составляющей, заставляя зрителя “читать” картину, здесь же буквальное отображение того, что фиксирует глаз при мгновенном взгляде на пейзаж. Она не наставляет, не возвышает и не морализаторствует. “Впечатление” обращается к индивидуальному чувственному опыту каждого зрителя. И именно это являлось главной характеристикой импрессионизма  — передача на картине мгновения. “Золотое правило импрессионистов состояло в  следующем: как бы ни писалась картина — паутинкой, как у Моне, или бусинками, нанизанными на нити, как у Сёра, — надо достичь такого эффекта, как будто цвет обнаруживается сам собой, в результате непроизвольного оптического спазма — в момент, когда зажмуриваешь глаза от солнца, а потом снова их открываешь” — пишет Саймон Шама, максимально точно передавая эффект от картин импрессионистов. Именно поэтому их творчество так популярно, оно взывает не к нашим знаниям, а к нашим чувствам.

Одной из немногих картин, проданных на выставке, стала работа Поля Сезанна “Дом повешенного”. Благодаря названию, картина сразу обрела шлейф загадочности и считается одной из наиболее значимых работ Сезанна. 

Огюст Ренуар представил на выставку несколько работ, в том числе “Танцовщицу”. Леруа не поскупился на издевки и написал: “Какая жалость, что художник, явно имеющий чувство цвета, не научился хорошо рисовать!”.  Кстати, интересен тот факт, что непревзойденный мастер света Ренуар и сам считал себя не очень искусным рисовальщиком, и  в своем уже более позднем творчестве больше обращался к академическому рисунку

Сильно досталось и картине “Иней” Камиля Писсарро, Леруа назвал ее “бесформенными скребками по грязному холсту”.  Сейчас она является одной из самых узнаваемых у своего автора, и действительно, от нее буквально не оторвать взгляд.

Часто, когда говорят об импрессионистах, упускают имя Берты Моризо, а ведь она была одной из самых ярких художниц своего времени и идейной вдохновительницей для группы своих единомышленников. Замечательная картина “У колыбели” осталась незамеченной после первой выставки и до 1930 года оставалась в семье Эдмы, сестры Берты. Кстати, именно Эдма с дочкой изображены на полотне.

Давайте полюбуемся еще некоторыми прекрасными работами с выставки:

В чистом виде импрессионизм просуществовал очень недолго. Официально принято считать, что с 1874 по 1886 год. Достаточно скоро художникам стало тесно в рамках импрессионизма  и многие из них начали свой собственный поиск в разных стилях и техниках, которые объединяют в понятие “постимпрессионизм”. Тем не менее, импрессионизм,  благодаря своим красоте и чувственности, понятным каждому зрителю независимо от уровня знаний, остается самым популярным стилем в истории искусства.